David Hockney - Foto: DR

Con questa straordinaria serie, David Hockney mostra il suo universo intimo, i suoi cari, i suoi amici, i loro bambini, costituendo così una notevole galleria di ritratti di coloro che hanno attraversato il suo percorso nel corso degli anni, costituendo in realtà un vasto panorama. di Los Angeles artistica dei nostri tempi.

Nel 2012, il Museo Guggenheim di Bilbao ha già presentato una monumentale mostra di paesaggi, David Hockney: A Wider Vision. Lo stesso anno l'artista ha lasciato il suo nativo Yorkshire per tornare a Los Angeles. Riscoprendo con il ritratto il gusto della pacifica contemplazione, ha eseguito, nell'estate del 2013, il primo di quella che alla fine diventerà una serie di oltre 90 dipinti; 82 di loro sono presentati come parte della mostra.

David Hockney concepisce questi ritratti come un corpus artistico unico. La mostra ruota dunque attorno a un percorso quasi cronologico che consente un altro studio psicologico: quello dell'artista stesso. Il suo stato emotivo sembra alleggerirsi con il progredire della serie, contemporaneamente alla sua convinzione sul formato, sul mezzo e sul modus operandi. Tutte le tele hanno le stesse dimensioni e mostrano il modello seduto sulla stessa sedia, sullo stesso sfondo blu intenso, sotto la stessa luce brillante e trasparente della California meridionale. Sono stati dipinti tutti nello stesso lasso di tempo: tre giorni.

"David Hockney: 82 ritratti e 1 natura morta" - © David Hockney - © Guggenheim Museum di Bilbao

Tra i modelli, tutti scelti tra i suoi amici, parenti e conoscenti, ci sono collaboratori dello studio, altri artisti come John Baldessari, curatori e galleristi come Larry Gagosian.

"Le celebrità sono fatte per la fotografia"dice David Hockney. “Io, non interpreto celebrità mentre lo fa la fotografia. Le mie celebrità sono mie amiche. " Ogni ritratto è così il frutto di un'intensa osservazione e si trasforma così in un'analisi psicologica.

Grazie al virtuosismo dell'artista, l'uniformità degli elementi di ogni tela accentua le differenze tra i diversi modelli e fa emergere la loro personalità con calda immediatezza. Con questa serie, in un momento di proliferazione di selfie e ritratti fotografici sui social, Hockney riesamina il ruolo del ritratto dipinto in un'installazione intensa e avvolgente. La nota divergente, l'unica natura morta, è il risultato dell'assenza, un giorno, di uno dei modelli. Desideroso di dipingere, l'artista ha preso ciò che aveva a portata di mano, vale a dire una selezione di frutta e verdura, per realizzare il suo ritratto.

In posa per David Hockney. Ritratto di Edith Devaney, curatrice della mostra

È stato il direttore dello studio dell'artista, Jean-Pierre Gonçalves de Lima, a cui è stato affidato il delicato compito di organizzare la programmazione di tutti questi ritratti nell'arco di più di due anni. Hockney ha dipinto due volte Edith Devaney, la prima a settembre 2015, poi a febbraio 2016. Quest'ultimo ritratto è quello presentato in mostra, dopo aver eliminato alcuni ritratti di persone che dipingeva. più di una volta.

La storia di Edith Devaney:

“La seconda volta che ho posato per lui era verso la fine del progetto e avevo già avuto modo di analizzare le pose e gli outfit delle persone che erano state lì prima di me. L'unica indicazione che ho ricevuto è stata quella di raccogliere i miei capelli; intorno alla metà del primo ritratto, Hockney decise che sarebbe stato migliore. Molte delle modelle femminili vestivano elegantemente per i loro ritratti, quindi ho deciso di variare per indossare abiti più informali.

“La seconda volta che ho posato per lui era verso la fine del progetto e avevo già avuto modo di analizzare le pose e gli outfit delle persone che erano state lì prima di me. L'unica indicazione che ho ricevuto è stata di legarmi i capelli; intorno alla metà del primo ritratto, Hockney decise che sarebbe stato migliore. Poiché molte delle modelle si vestivano elegantemente per i loro ritratti, ho deciso, per varietà, di indossare abiti più informali.

La seduta è iniziata intorno alle nove del mattino. Lo studio era molto ordinato, con la tela già pronta sul cavalletto e tutti i colori, pennelli e tavolozze disposti su un tavolo a destra. La piattaforma con la sedia era a sinistra, di fronte al cavalletto. Seduto sulla sedia, ho provato diverse pose e mi sono chinato in avanti con la testa appoggiata sulla mano in quella che sembrava una postura naturale e familiare. Ha fatto piacere a Hockney, che sperava che potessi continuare per tre giorni.

La prima parte del processo, e forse la più intensa, è stata il disegno a carboncino che ha tracciato direttamente sulla tela.

Hockney chiama questo schizzo della testa, del corpo e della sedia "che fissa la posa". Affermava di aver dipinto ciò che vedeva e di assicurarsi di vedere tutto. L'intuizione e la focalizzazione del suo sguardo erano notevoli e la sua testa si muoveva costantemente avanti e indietro dal modello alla tela.

Una volta completato il disegno, è iniziato il dipinto. Tutti i ritratti sono stati realizzati in acrilico, un mezzo che Hockney non utilizzava da vent'anni. Dopo i primi lavori, ha utilizzato una nuova marca di vernice acrilica con un contenuto di gel maggiore, con la capacità di rimanere bagnata più a lungo, che ha permesso, nell'arco dei tre giorni, di ritoccare leggermente il viso della modella.

Dopo un'ora di pausa per una buona merenda e un momento di vivace conversazione, le sedute sono proseguite fino a tarda sera. Durante le pause mattutine e pomeridiane, Hockney si sedeva su una poltrona a una certa distanza dalla tela per analizzarne l'evoluzione fumando. Durante queste pause, ha commentato vari aspetti del dipinto, ma ha mantenuto il silenzio più assoluto mentre dipinge.

L'atto di dipingere si è rivelato altamente fisico per Hockney, che si muoveva costantemente avanti e indietro per osservare la tela da vicino e da lontano. C'era una tremenda sensazione di fluidità nei suoi movimenti quando allungava la mano per immergere il pennello, quando mescolava nuovi colori o quando sceglieva un altro pennello. Ha alzato o abbassato il cavalletto con un motore elettrico in modo da realizzare, all'altezza perfetta, il suo lavoro meticoloso e dettagliato.

Durante tutto il processo, l'intensità della sua concentrazione non è diminuita affatto. Ogni traccia della fatica che avrebbe provato in seguito era compensata dal piacere della creazione.

Le modelle hanno partecipato a questo piacere quando è nata l'immagine. Stranamente, il mio ritratto mi sembrava familiare e estraneo allo stesso tempo. Hockney mi ha detto mentre dipingeva "ciò che ha visto", ammettendo che tutti noi vediamo in modo diverso poiché la nostra visione è colorata dalle nostre numerose esperienze. Essere sottoposti a un esame così attento porta a riflettere sul proprio modo di pensare al proprio aspetto fisico, e la consumata capacità di Hockney di riflettere questa complessità interiore accentua l'intensità psicologica del tempo di pausa.

Una volta terminato il mio ritratto, gli ho chiesto se pensava di aver catturato la mia personalità. "Ho colto un aspetto di te", ha risposto. "Il primo ritratto aveva catturato un altro aspetto e se ne avessi fatto un terzo, sarebbe stato di nuovo diverso". Il fascino di Hockney per la ritrattistica è indissolubilmente legato alla sua profonda empatia per gli esseri umani e per tutte le fragilità che incarniamo, "la commedia umana", come lui stesso la esprime. "

Informazioni pratiche

Museo Guggenheim di Bilbao
Bilbao, Spagna
10 novembre 2017-25 febbraio 2018

https://www.guggenheim-bilbao.eus/