Amadeo de Souza-Cardoso, Titolo sconosciuto (Clown, cavallo, salamandra), dettaglio, 1911-1912 circa, gouache su carta, 23,80 x 31,80 cm, Lisbona, CAM / Fundação Calouste Gulbenkian, donazione Lucie de Souza-Cardoso , Foto © Paulo Costa

Trasportato a mezzogiorno dall'epidemia di influenza spagnola, dopo aver lasciato questa avanguardia parigina di cui era una delle figure più originali all'inizio della guerra, Amadeo uscì dagli schermi radar e non conservò la sua celebrità che nel suo stesso paese. Tuttavia, ha avuto il tempo di lasciare un'opera straordinaria, allo stesso tempo impegnato con tutte le rivoluzioni estetiche del suo tempo e diverso da qualsiasi altro. Se osserviamo attentamente la cronologia della sua compagnia con Amedeo Modigliani o Constantin Brancusi, è spesso lui che appare come l'inventore delle forme.

Amadeo de Souza-Cardoso era già al Grand Palais nel 1912, esponendo al Salon d'Automne Avant la Corrida, un dipinto che sarebbe poi apparso alla famosa mostra dell'Armory Show negli Stati Uniti nel 1913. Fu venduto lì immediatamente come quasi tutti gli altri invii dell'artista che hanno suscitato scalpore. È così che molti dei suoi capolavori sono conservati oggi negli Stati Uniti, in particolare all'Art Institute of Chicago.

La vita di Souza-Cardoso è breve e intensa. Ci sono due periodi principali che si materializzano nel corso della mostra: il periodo di Parigi (1906-1914) e il ritorno a Manhufe, in Portogallo (1914-1918). Tuttavia, per tutta la sua vita artistica durata poco più di un decennio, Amadeo visse tra questi due mondi: viaggiava, andava e veniva, eterno insoddisfatto, desideroso di essere altrove, manifestando perpetua instabilità geografica.

Figlio di una famiglia tradizionale della ricca borghesia rurale, Amadeo parte per Parigi in una situazione finanziaria confortevole, lontana dalla condizione di detentore di borsa di studio che è quella di molti dei suoi compatrioti - che frequenta sul posto solo durante un breve periodo. Dice addio a sua madre dicendo che deve compiere il suo destino.

La città che scopre, il centro euforico di tutte le rotture, attira la sua attenzione sugli artisti che rompono con i canoni classici. Anche Amadeo partecipa a questa rottura; mosse i suoi primi passi in questo universo cosmopolita sviluppando un dialogo creativo con i suoi colleghi: Modigliani, Brancusi, Archipenko, la coppia Delaunay, Otto Freundlich, Boccioni, tra gli altri, e prese contatto con agenti artistici, editori o curatori di mostre, come Walter Pach, Wilhelm Niemeyer, Ludwig Neitzel, Herwald Walden, Adolphe Basler, Harriet Bryant. Nel 1908, quando si trasferì alla Cité Falguière (Montparnasse), divenne amico di alcuni artisti che, come lui, erano ai margini di movimenti programmatici, in particolare Modigliani e Brancusi.

Il piccolo villaggio di Manhufe nel nord del Portogallo, permea il mondo visivo di Amadeo e si trova in tutte le fasi del suo lavoro. Non si tratta solo di paesaggi o rappresentazioni della natura; questo posto contiene ciò che Amadeo considera il suo, un paesaggio naturale ma anche mentale. Integra nel suo intero processo creativo quelli che potrebbero essere percepiti come temi tradizionali: oggetti di uso quotidiano, parole di canzoni popolari e bambole popolari, strumenti musicali regionali, montagne, foreste, castelli immaginari e interni familiari.

Questi elementi sono rappresentati secondo soluzioni stilistiche che combinano cubismo, futurismo, orfismo ed espressionismo. Amadeo affronta frammenti del mondo rurale e del mondo moderno nella stessa dinamica e, senza gerarchia, opera una fusione tra la sua regione di origine e la vertigine di macchine, manichini meccanici, fili telegrafici e telefonici, lampadine e cartelloni pubblicitari, trasmissioni radiofoniche, mulini ad acqua, profumi, champagne ...

Diventato urbano per scelta, l'artista mantiene il legame con il movimento ondoso delle sue montagne, che dipinge in numerose occasioni e che fa da sfondo ai dipinti di varie fasi. Ed è inoltre di fronte a queste montagne che traccia il suo autoritratto, vestito da pittore, come Greco.

La semplice rappresentazione, persino aumentata con il cubismo, non gli basterà. Procede per rappresentazione e per "incorporazione", le sue opere integrano - in particolare con il collage - molti oggetti regionali o urbani.

Le lettere / parole, applicate utilizzando stampini di cartone o zinco (che egli stesso fa o ordina), sono tutti nuovi elementi di polisemia - riferimenti a industriale (Barrett, Wotan) e commerciale ( Coty, Brut, 300, Eclypse) ma senza un ruolo narrativo o illustrativo nel dipinto. Amadeo devia i significati, oltre che le forme: i suoi dischi cromatici possono essere bersagli colorati o popolari piatti di terracotta su cui cadono insetti ... Curiosamente, la sua storia familiare riporta che l'artista compose il suo primo dipinto su due foglie di un armadio in sala da pranzo; il giovanissimo Amadeo riprodusse, intorno al 1897, i coperchi delle scatole di biscotti a marchio Huntley & Palmers. Tutti questi segni dell'incorporazione del nuovo mondo nel suo lavoro mostrano che Amadeo ha una profonda consapevolezza di cosa significhi "essere moderno", che si riflette non solo nei suoi temi (esaltazione della meccanizzazione), ma anche nei suoi metodi e tecniche o anche nel desiderio di farsi conoscere promuovendo personalmente la propria identità di artista. Questa strategia è stata implementata molto presto con la pubblicazione di un'edizione dei suoi XX Disegni e 12 Riproduzioni, ed è ancora espressa nell'uso del suo timbro di firma.

Secondo un percorso crono-tematico, la mostra riunisce circa 300 opere: dipinti, disegni, incisioni, fotografie, oltre a una scultura e due maschere africane. Tra questi, alcune opere di artisti contemporanei di Amadeo con cui era vicino come Brancusi, Modigliani, Robert e Sonia Delaunay. Nella rotonda un trittico video, appositamente commissionato dalla Fondazione Calouste Gulbenkian dall'artista Nuno Cera, dedica i luoghi cari ad Amadeo (Manhufe in Portogallo, Bretagna e Parigi).

In dieci anni, Amadeo de Souza-Cardoso ha tracciato un percorso completamente singolare la cui riscoperta in Francia, molto tardi, dovrebbe essere solo più sorprendente.

informazioni pratiche

• Commissario: Helena de Freitas, storica dell'arte, Fondazione Calouste Gulbenkian, Lisbona
• Design: Workshop di architettura di Jodar
• apertura: da giovedì a lunedì dalle 10 alle 20, mercoledì dalle 10 alle 22 chiusura settimanale il martedì
• chiuso il 1 maggio e il 14 luglio
• tariffe: € 13, € 9 TR (16-25 anni, persone in cerca di lavoro, famiglie numerose). Gratuito per i minori di 16 anni, beneficiari dell'RSA e età minima di pensionamento
• accesso: metro linea 1 e 13 "Champs-Elysées-Clemenceau" o linea 9 "Franklin D. Roosevelt"
• informazioni e prenotazioni: www.grandpalais.fr