© David Reynal

La exposición Memoria: relatos de otra historia es la idea de una memoria colectiva formada por un sinfín de relatos, relatos, interrogantes y vivencias esparcidas por nuestra memoria individual, personal e íntima. Se revela aquí a través de las obras de 14 artistas africanos cuya obra remite a la construcción de un todo común, un todo universal, que renueva nuestra mirada a la creación contemporánea de África y sus diásporas. Cuando el habla y la memoria se olvidan, matan, borran o truncan, desvelar una contranarrativa, hacer coexistir historias plurales y desvelar lo tácito, se convierte entonces en una emergencia a la que los catorce artistas invitados responden ante este suceso. Sus trabajos presentados se destacan por su deseo de traspasar los límites del arte, de “reunir en otros lugares” y mostrar la diversidad de nuestras historias individuales comunes y, en última instancia, colectivas. Las obras seleccionadas exploran pintura, textiles, escultura, video o incluso performance. Forman un viaje que se hace eco de una lectura desmitificada de secciones de la historia y creencias comúnmente divulgadas sobre el continente africano. A través de esta multiplicidad de medios, las obras entregan su esencia y nos muestran artistas con una práctica comprometida, fuertes en su poder narrativo, anclados en sus geografías fluctuantes y en su tiempo. A la medida de su estuche, el MÉCA, Memoria: narrativas de otra Historia acoge hasta el 21 de agosto las obras de artistas aún poco expuestas en Francia: Georgina Maxim, Na Chainkua Reindorf, Enam Gbewonyo, Tuli Mekondjo o incluso Josèfa Ntjam. También dará cabida a obras de reconocidos artistas del panorama artístico contemporáneo como Otobong Nkanga, Bouchra Khalili, Mary Sibande, Wangechi Mutu.

14 artistas, 26 obras y 54 países

Es Sophie, la sublime y benevolente avatar de la sudafricana Mary Sibande, quien inaugura el recorrido expositivo, invitándonos a reexaminar la historia de su país a través de su propia historia familiar; el de una línea de mujeres fuertes y valientes a las que la artista rinde homenaje magistral en un meticuloso trabajo conmemorativo (fotografía y escultura a escala humana inspirada en la propia artista). “Mary Sibande retoma la historia de su propia familia en la que todas las mujeres eran sirvientas al servicio de los blancos bajo el régimen del apartheid desde 1948 hasta 1991. Sophie era el nombre genérico que se les daba a las sirvientas negras para evitar tener que nombrarlas por su nombre sudafricano. nombre de pila. La escultura presentada tiene la imagen de Mary Sibande. Con su vestido de estilo victoriano, le da una forma de majestuosidad a Sophie pero que, sin embargo, conserva todos los atributos de la señora de la limpieza ” explican Nadine Hounkpatin y Céline Seror, las comisarias de la exposición y fundadoras de la agencia de arte.

© David Reynal

De lo íntimo a lo universal

Este primer capítulo de la exposición, De lo íntimo a lo universal, explora los diferentes caminos tomados por los artistas para escribir sus vivencias personales y hacer oír sus historias. Junto a Mary Sibande, se presentan las “obras de memoria” de la zimbabuense Georgia Maxim, piezas textiles heterogéneas íntimamente ligadas a los individuos y su memoria, así como las pinturas oníricas y profundas del namibio Tuli Mekondjo, en las que se mezclan motivos vegetales, semillas, y detalles de fotografías de archivo del patrimonio nacional de Namibia. Las obras del artista ghanés Enam Gbewonyo, mostradas por primera vez en Francia, constituyen un punto culminante de la exposición. Su actuación Nude Me / Under the Skin: The Awakening of Black Women's Visibility one Pantyhose a la vez da testimonio de su experiencia como mujer negra en un mundo que le parece consciente e inconscientemente hostil. Se trata de unas medias de nailon color carne, un objeto íntimo y cotidiano, que la artista elige utilizar como símbolo y vector de desigualdad e invisibilidad. Este mismo simbolismo de las medias se puede encontrar en la obra de la franco-gabonesa Myriam Mihindou quien, con su performance filmada en plano fijo, La Robe envolée, nos entrega a través de las palabras y a través de su cuerpo, una historia de gran fuerza, impresa de poesía.

© obra Dalila Dalléas Bouzar / foto David Raynal

Mujeres de las tierras altas

Por su parte, Dalila Dalléas Bouzar utiliza la pintura para recordarnos la historia de Argelia a través de la evocación de estas mujeres de las tierras altas del sur de Cabilia, obligadas a revelarse durante la guerra de independencia. Mujeres a las que el artista devuelve magníficamente la grandeza y el poder a través de una serie de doce sorprendentes retratos. “En este proyecto titulado Las princesas, Dalila realizó una investigación sobre la guerra en Argelia, su país de origen. Encontró retratos encargados por el ejército francés al fotógrafo Marc Garanger. Ella estaba extremadamente conmovida y abrumada por estas miradas y, a su vez, quería apropiarse de la experiencia limitada de estas mujeres para tratar de restaurar su dignidad y su poder. Ella los pone sobre un fondo negro, con una mirada penetrante que a su vez nos desafía con nuestra mirada, en lugar de ser desafiados por la lente de la cámara. Las adornó con coronas de oro para darles la condición de princesas que se interpreta no solo como reparación, sino también como reconocimiento a su acto de resistencia ”. explica Nadine Hounkpatin.

Aturdido por la mirada

© Marc Garanger

Pequeño paso atrás. Marc Garanger es un fotógrafo y cineasta francés (1935-2020) conocido por sus retratos en blanco y negro de argelinos, realizados entre 1960 y 1962, en nombre del ejército francés, y por los que recibió el premio Niépce en 1966. Soldado en Argelia de marzo de 1960 a febrero de 1962, su misión fue identificar las poblaciones campesinas argelinas y fotografiarlas en los pueblos. De hecho, el ejército había decidido que los nativos debían tener una tarjeta de identidad francesa para controlar mejor sus movimientos en las "aldeas de reagrupamiento". Para hacer estos retratos, tuvo que pedirles a las mujeres que se revelaran. “Recordé las fotos del estadounidense Edward Curtis que fotografió a los indios siendo destruidos por el pueblo estadounidense a fines del siglo XIX. Me dije a mí mismo que esta era la historia que comenzaba de nuevo. Entonces no tomé fotos de identidad, sino retratos en majestad enmarcados a la cintura para dar a estas mujeres toda su dignidad ”. explicó a la periodista de TV5 Monde Camille Sarret, quien llegó a interrogarlo sobre su trabajo durante su exposición en 2012 en el Centro Cultural Argelino de París con motivo del 50 aniversario de la independencia de Argelia. En cada aldea, Marc Garanger hizo que las mujeres se sentaran en un taburete contra la pared blanca de su casa. Agarradas en su intimidad, las mujeres se inclinaron ante las órdenes sin inmutarse. “Con la excepción de los más jóvenes que probablemente estaban más asustados, me miraron. Pero sabía lo que estaba haciendo ”, todavía recuerda. En 2004, regresó a Le Monde en Argelia para conocer a las personas y lugares que había fotografiado cuarenta años antes. “Hubo una emoción loca. ¡Todas las mujeres que encontré han permanecido en su civilización bereber! " finalmente le había explicado.

© David Reynal

Deber de recordar

La segunda parte del recorrido, Cuando la memoria es una obra política, cuestiona la memoria en su dimensión crítica: la forma en que los artistas la utilizan como método de denuncia, particularmente en los campos de la redistribución y explotación de los recursos humanos, naturales y materiales. La investigación, el trabajo y los planteamientos radicales de los nigerianos Otobong Nkanga (serie de fotos extraídas de una performance) y Ndidi Dike (instalaciones multimedia), plantean la cuestión latente y actual de las cuestiones sociales, geopolíticas y medioambientales que abordan deliberadamente bajo el prisma de herencia esclavista y memoria colonial. Estos son los mismos temas que encontramos en la obra de Bouchra Khalili, quien a través de su serie de videos The Speeches Series, da voz a los que señalamos con el dedo, a los que dejamos de lado, a los trabajadores precarios en Estados Unidos a los migrantes. y desplazados, haciendo así audible su voz, visible su historia. Con la fotógrafa Gosette Lubondo, es el deber de la memoria que permite una crítica libre de una parte de la historia colonial de su país el Congo. A través de la serie Imaginery Trip II, una muestra silenciosa de la decadencia de las huellas del pasado, el artista logra vislumbrar la resurrección de una posible memoria universal.

© David Reynal

Multitud de matices

Finalmente, el tercer y último capítulo del viaje, Fabulaciones, ficciones et autres imaginarios, levanta el velo sobre un futuro creativo, desinhibido, fuerte de un recuerdo asumido y celebrado. Se establece un diálogo interminable entre arte, ciencia, nuevas tecnologías. Son estos nuevos lenguajes los que la francocamerunés Josèfa Ntjam está inventando creando historias futuristas en cada una de sus instalaciones, performances, fotomontajes o creaciones plásticas. Por su parte, la ghanesa Na Chainkua Reindorf, a través de obras escultóricas, incorpora materiales orgánicos, hilos, perlas, todo tejido, hilado, cosido en una inteligente mezcla de historia (s) y técnicas de África Occidental. La obra expuesta se produjo como parte de la residencia del artista en Burdeos en el Frac de Nouvelle-Aquitaine. Una residencia impactada por Covid-19 ya que se llevó a cabo de forma totalmente remota.

Disfraz de carnaval

Na Chainkua Reindorf es una ghanesa que vive en Nueva York y reinterpreta a su manera la tradición del disfraz de carnaval en su más pura esencia. Antes de su remota residencia, no sabía nada de Burdeos excepto vino. Su interés creció cuando se enteró de que la ciudad había participado hasta cierto punto en el comercio de esclavos. Burdeos también lleva el recuerdo de la esclavitud. A la entrada de los edificios, encontramos, por ejemplo, elementos arquitectónicos que tienen en particular la efigie de rostros africanos en referencia al comercio triangular. Estos son los mascarons. Luego descubre la palabra mascaron que naturalmente resuena con la palabra máscara y mascarada y que pronto se convierte en su hilo conductor. “A partir de ahí, creó esta obra que consiste en un disfraz de mascarada de carnaval e hizo una serie de máscaras que rinden homenaje a los mascarons. También se encontró con una historia bastante trágica de mujeres africanas que fueron arrancadas de sus costas nativas para convertirse en esclavas. En lugar de aceptar este destino, se arrojaron por la borda. Ella quiso rendirles homenaje inventando estos disfraces y esta serie de máscaras en las que encontraremos sus materiales favoritos, telas, perlas y cauríes. Conchas que se pueden encontrar por todas partes en las costas de África y que alguna vez sirvieron como moneda. Los colgó en homenaje a los rostros africanos que salpican los edificios de la ciudad de Burdeos ”, subraya Nadine Hounkpatin.

Pintura fantástica

La senegalesa Selly Raby Kane - imagina, por su parte, una capital africana fantaseada en una película de realidad virtual, que se hace eco a la perfección del trabajo de Wangechi Mutu y su pintura fantástica invitando a cada espectador a decodificar el mundo con la ayuda de una nueva gramática visual. Es, pues, toda una mitología poblada por criaturas con atributos aún femeninos lo que despierta el artista keniano. Una mitología transgresora en la que el cuerpo femenino es la matriz que lleva las marcas del lenguaje y multitud de matices de las culturas del mundo.

© FRAC

Cambio de escala

El traslado al MÉCA en mayo de 2019, cerca del centro de Burdeos y de la estación de tren de Saint-Jean, corresponde para el Frac Nouvelle-Aquitaine a un cambio de escala (edificio, equipo, proyectos) y a nuevos retos a superar. Ubicada en los 3 pisos superiores del MÉCA (4º, 5º y 6º) en un área de exposición de 1 m200, la colección Frac Nouvelle-Aquitaine MÉCA está considerada como una de las mejores colecciones públicas de arte contemporáneo. Reúne 2 obras, todos los medios combinados, de artistas franceses y extranjeros. Además del programa MÉCA, el Frac ofrece más de veinte exposiciones en la región. La exposición Memoria: cuentos de otra historia es finalmente el punto culminante del programa regional: ¡VIVO! Esta serie de exposiciones y eventos que tienen lugar en Nueva Aquitania se centra en la representación de la mujer en el arte, al tiempo que explora cuestiones relacionadas con la exposición y (re) lectura de las obras de mujeres artistas, ya sean contemporáneas o de períodos anteriores. Programada inicialmente de junio a diciembre de 1, la Temporada África316 deseada por el presidente de la República Emmanuel Macron se ha pospuesto debido a la pandemia Covid-2020 que ha azotado al mundo entero. A través de esta mirada de artistas conscientes e ilustradas, la exposición Memoria: narrativas de otra historia, evoca también el dinamismo de la investigación sobre el trabajo de las mujeres en el campo del arte, tanto desde un punto de vista histórico como actual en la escala del continente africano.

david reynal

* FRAC: Fondo Regional de Arte Contemporáneo

* Méca: Casa de la economía y cultura creativa

¡Durante la crisis sanitaria, el MECA está cerrado pero tiene ideas!

Por motivos de salud, el museo está cerrado, pero a la espera de su reapertura, el equipo de Frac Nouvelle-Aquitaine MÉCA intenta utilizar la exposición de la forma más inteligente y diferente. Para dar vida a la exposición a distancia, respetando los gestos de barrera, ha realizado en particular pequeñas entrevistas con los artistas que se retransmiten en su web y en las redes sociales. También organiza entrevistas con los comisarios y también apoya el lanzamiento del catálogo con Actes Sud. También inició “Insights on a work”, cápsulas de video en vivo de Instagram organizadas por mediadores que comentan cada obra a lo largo de la exposición. Nunca faltan ideas, ella ha lanzado líneas directas que le permiten hacer una cita con un gerente de FRAC para discutir un trabajo durante 20 minutos. Una especie de Art-line. Finalmente, durante este período de crisis de salud, La Meca permanece abierta al público profesional, con grupos limitados a 10 personas, en particular para estudiantes de arte e historia del arte.

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