David Hockney - Foto: DR

Con esta notable serie, David Hockney muestra su universo íntimo, sus seres queridos, sus amigos, sus hijos, constituyendo así una notable galería de retratos de aquellos que se cruzaron en su camino a lo largo de los años, constituyendo de hecho un vasto panorama. de Los Angeles artísticos de nuestro tiempo.

En 2012, el Museo Guggenheim Bilbao ya presentó una exposición monumental de paisajes, David Hockney: A Wider Vision. El mismo año, el artista dejó su Yorkshire natal para regresar a Los Ángeles. Redescubriendo con el retrato el gusto por la contemplación pacífica, ejecutó, en el verano de 2013, el primero de lo que eventualmente se convertirá en una serie de más de 90 cuadros; 82 de ellos se presentan como parte de la exposición.

David Hockney concibe estos retratos como un corpus artístico único. La exposición gira así en torno a un recorrido casi cronológico que permite otro estudio psicológico: el del propio artista. Su estado emocional parece aligerarse a medida que avanza la serie, al mismo tiempo que afirma su convicción sobre el formato, el medio y el modus operandi. Todos los lienzos son del mismo tamaño y muestran a la modelo sentada en la misma silla, contra el mismo fondo azul profundo, bajo la misma luz brillante y transparente del sur de California. Todos fueron pintados en el mismo tiempo: tres días.

“David Hockney: 82 retratos y 1 bodegón” - © David Hockney - © Museo Guggenheim Bilbao

Entre los modelos, todos elegidos entre sus amigos, familiares y conocidos, se encuentran colaboradores del estudio, otros artistas como John Baldessari, curadores y galeristas como Larry Gagosian.

"Las celebridades están hechas para la fotografía"dice David Hockney. “Yo no retrato a celebridades mientras que la fotografía lo hace. Mis celebridades son mis amigos. " Cada retrato es, pues, fruto de una intensa observación y se convierte así en un análisis psicológico.

Gracias al virtuosismo del artista, la uniformidad de los elementos de cada lienzo acentúa las diferencias entre los diferentes modelos y deja emerger su personalidad con cálida inmediatez. Con esta serie, en un momento de proliferación de selfies y retratos fotográficos en las redes sociales, Hockney reexamina el papel del retrato pintado en una instalación intensa y envolvente. La nota divergente, único bodegón, es fruto de la ausencia, un día, de uno de los modelos. Ansioso por pintar, el artista tomó lo que tenía a mano, es decir, una selección de frutas y verduras, para realizar su retrato.

Posa para David Hockney. Retrato de Edith Devaney, comisaria de la exposición

Fue el director del estudio del artista, Jean-Pierre Gonçalves de Lima, quien se encargó de la delicada tarea de organizar la programación de todos estos retratos durante un período de más de dos años. Hockney pintó a Edith Devaney dos veces, primero en septiembre de 2015, luego en febrero de 2016. Este último retrato es el que se presenta en la exposición, luego de un proceso de eliminación de algunos retratos de personas que pintó. más de una vez.

La historia de Edith Devaney:

“La segunda vez que posé para él fue hacia el final del proyecto y ya había tenido la oportunidad de analizar las poses y atuendos de las personas que habían estado allí antes que yo. La única indicación que recibí fue recoger mi cabello; a la mitad del primer retrato, Hockney decidió que se vería mejor. Muchas de las modelos femeninas vestían elegantemente para sus retratos, así que decidí variar para usar ropa más informal.

“La segunda vez que posé para él fue hacia el final del proyecto y ya había tenido la oportunidad de analizar las poses y atuendos de las personas que habían estado allí antes que yo. La única indicación que recibí fue que me recogiera el pelo; a la mitad del primer retrato, Hockney decidió que quedaría mejor. Como muchas de las modelos femeninas vestían elegantemente para sus retratos, decidí, por variedad, usar ropa más informal.

La sesión comenzó alrededor de las nueve de la mañana. El estudio estaba muy ordenado, con el lienzo ya listo en el caballete y todos los colores, pinceles y paletas dispuestos en una mesa a la derecha. La plataforma con la silla estaba a la izquierda, frente al caballete. Sentado en la silla, probé varias poses y me incliné hacia adelante con la cabeza apoyada en mi mano en lo que parecía una postura natural y familiar. Le gustó a Hockney, que esperaba que pudiera mantenerlo durante tres días.

La primera parte del proceso, y quizás la más intensa, fue el dibujo al carboncillo que trazó directamente sobre el lienzo.

Hockney llama a este boceto de la cabeza, el cuerpo y la silla "fijar la pose". Afirmó que pintó lo que vio y se aseguró de ver todo. La perspicacia y el enfoque de su mirada eran notables, y su cabeza se movía constantemente de un modelo a otro.

Una vez terminado el dibujo, comenzó la pintura. Todos los retratos se hicieron en acrílico, un medio que Hockney no había utilizado durante veinte años. Luego de los primeros trabajos, utilizó una nueva marca de pintura acrílica con mayor contenido en gel, con capacidad de permanecer húmeda por más tiempo, lo que permitió, durante los tres días, retocar ligeramente el rostro de la modelo.

Después de un descanso de una hora para un buen refrigerio y un momento de animada conversación, las sesiones continuaron hasta altas horas de la noche. Durante los descansos de la mañana y la tarde, Hockney se sentaba en un sillón a cierta distancia del lienzo para analizar su evolución mientras fumaba. Durante estos descansos, comentó sobre varios aspectos de la pintura, pero mantuvo el más absoluto silencio mientras pintaba.

El acto de pintar resultó ser muy físico para Hockney, quien constantemente se movía de un lado a otro para observar el lienzo de cerca y de lejos. Había una tremenda sensación de fluidez en sus movimientos cuando extendía la mano para mojar el pincel, cuando mezclaba nuevos colores o cuando elegía otro pincel. Subía o bajaba el caballete con un motor eléctrico para lograr, a la altura perfecta, su minucioso y detallado trabajo.

Durante todo el proceso, la intensidad de su concentración no disminuyó en absoluto. Cualquier rastro de fatiga que sentiría más tarde fue compensado por el placer de la creación.

Las modelos participaron de este placer cuando surgió la imagen. Curiosamente, mi retrato me parecía familiar y extraño al mismo tiempo. Hockney me dijo mientras pintaba "lo que vio", al tiempo que admitía que todos vemos de manera diferente ya que nuestra visión está coloreada por nuestras muchas experiencias. Estar sometido a un escrutinio tan cuidadoso lleva a uno a reflexionar sobre la propia manera de pensar acerca de la apariencia física, y la habilidad consumada de Hockney para reflejar esta complejidad interior acentúa la intensidad psicológica del tiempo de pausa.

Una vez que terminé mi retrato, le pregunté si pensaba que había capturado mi personalidad. "Recogí un aspecto de ti", respondió. “El primer retrato había captado otro aspecto y si hacía un tercero, volvería a ser diferente”. La fascinación de Hockney por el retrato está indisolublemente ligada a su profunda empatía por el ser humano y por todas las fragilidades que encarnamos, “la comedia humana”, como él mismo la expresa. "

Informacion practica

Museo Guggenheim Bilbao
Bilbao, españa
10 de noviembre de 2017 - 25 de febrero de 2018

https://www.guggenheim-bilbao.eus/