Amadeo de Souza-Cardoso, Título desconocido (Payaso, caballo, salamandra), detalle, alrededor de 1911-1912, gouache sobre papel, 23,80 x 31,80 cm, Lisboa, CAM / Fundação Calouste Gulbenkian, donación Lucie de Souza-Cardoso , Foto © Paulo Costa

Llevado a los treinta por la epidemia de gripe española, después de haber abandonado al comienzo de la guerra esta vanguardia parisina de la que era una de las figuras más originales, Amadeo salió de las pantallas de radar y no retuvo a su celebridad. que en su propio país Sin embargo, tuvo tiempo de dejar una obra deslumbrante, al mismo tiempo comprometido con todas las revoluciones estéticas de su tiempo y diferente a cualquier otra. Si observamos cuidadosamente la cronología de su compañía con Amedeo Modigliani o Constantin Brancusi, a menudo es él quien aparece como el inventor de las formas.

Amadeo de Souza-Cardoso ya estaba en el Grand Palais en 1912, exhibiendo en el Salon d'Automne Avant la Corrida, una pintura que luego aparecería en la famosa exposición del Armory Show en los Estados Unidos en 1913. Se vendió allí inmediatamente como Casi todos los otros envíos del artista que causó sensación. Así es como muchas de sus obras maestras se conservan hoy en los Estados Unidos, en particular en el Instituto de Arte de Chicago.

La vida de Souza-Cardoso es corta e intensa. Hay dos períodos principales que se materializan en el transcurso de la exposición: el período de París (1906-1914) y el regreso a Manhufe, Portugal (1914-1918). Sin embargo, a lo largo de su vida artística, que duró poco más de una década, Amadeo vivió entre estos dos mundos: viajó, vino y se fue, eternamente insatisfecho, ansioso por estar en otro lugar, manifestando una inestabilidad geográfica perpetua.

Hijo de una familia tradicional de la rica burguesía rural, Amadeo se va a París en una cómoda situación financiera, lejos de la condición de becario, que es la de muchos de sus compatriotas, a quienes solo frecuenta en el lugar durante un periodo corto Se despide de su madre diciéndole que debe cumplir su destino.

La ciudad que descubre, el centro eufórico de todas las rupturas, llama su atención hacia los artistas que rompen con los cánones clásicos. Amadeo también participa en esta ruptura; dio sus primeros pasos en este universo cosmopolita desarrollando un diálogo creativo con sus compañeros de trabajo: Modigliani, Brancusi, Archipenko, la pareja Delaunay, Otto Freundlich, Boccioni, entre otros, y se puso en contacto con agentes artísticos, editores o curadores de exposiciones, como Walter Pach, Wilhelm Niemeyer, Ludwig Neitzel, Herwald Walden, Adolphe Basler, Harriet Bryant. En 1908, cuando se mudó a la Cité Falguière (Montparnasse), se hizo amigo de ciertos artistas que, como él, estaban al margen de los movimientos programáticos, en particular Modigliani y Brancusi.

El pequeño pueblo de Manhufe, en el norte de Portugal, impregna el mundo visual de Amadeo y se encuentra en las múltiples etapas de su trabajo. No se trata solo de paisajes o representaciones de la naturaleza; Este lugar contiene lo que Amadeo considera suyo, un paisaje natural pero también mental. Integra en todo su proceso creativo lo que podría percibirse como temas tradicionales: objetos cotidianos, palabras de canciones populares y muñecas populares, instrumentos musicales regionales, montañas, bosques, castillos imaginarios e interiores familiares.

Estos elementos se representan según soluciones estilísticas que combinan cubismo, futurismo, orfismo y expresionismo. Amadeo enfrenta fragmentos del mundo rural y del mundo moderno en una misma dinámica y, sin jerarquías, opera una fusión entre su región de origen y el vértigo de las máquinas, maniquíes mecánicos, cables de telégrafo y teléfono, bombillas y vallas publicitarias, programas de radio, molinos de agua, perfumes, champagne ...

Convirtiéndose en urbano por elección, el artista mantiene el vínculo con el movimiento ondulatorio de sus montañas, que pinta repetidamente y que sirven de fondo para pinturas de diversas fases. Y es además delante de estas montañas que traza su autorretrato, vestido como pintor, como Greco.

La representación simple, incluso aumentada por medio del cubismo, no será suficiente para él. Procede por representación y por "incorporación", sus obras integran, en particular por collage, muchos objetos regionales o urbanos.

Las letras / palabras, aplicadas con plantillas de cartón o zinc (que él mismo hace o encarga), son todos elementos nuevos de polisemia: referencias a industriales (Barrett, Wotan) y comerciales ( Coty, Brut, 300, Eclypse) pero sin un papel narrativo o ilustrativo en la pintura. Amadeo desvía los significados, así como las formas: sus discos cromáticos pueden ser blancos de colores o populares platos de barro sobre los que caen insectos ... Curiosamente, su historia familiar relata que el artista compuso su primer cuadro en dos hojas un armario en el comedor; la muy joven Amadeo reprodujo allí, hacia 1897, las tapas de las latas de galletas de la marca Huntley & Palmers. Todos estos signos de la incorporación del nuevo mundo a su obra demuestran que Amadeo tiene una aguda conciencia de lo que significa “ser moderno”, lo cual se refleja no solo en sus temas (exaltación de la mecanización), sino también en sus métodos y técnicas o incluso en su afán de darse a conocer promoviendo personalmente su identidad como artista. Esta estrategia se implementó muy temprano con la publicación de una edición de sus Dibujos XX y 12 Reproducciones, y todavía se expresa en el uso de su sello de firma.

Según una ruta crono-temática, la exposición reúne alrededor de 300 obras: pinturas, dibujos, grabados, fotografías, así como una escultura y dos máscaras africanas. Entre ellos, algunas obras de artistas contemporáneos de Amadeo con quienes estuvo cerca como Brancusi, Modigliani, Robert y Sonia Delaunay. En la rotonda, un video tríptico, especialmente encargado por la Fundación Calouste Gulbenkian del artista Nuno Cera, dedica los lugares queridos a Amadeo (Manhufe en Portugal, Bretaña y París).

En diez años, Amadeo de Souza-Cardoso ha trazado un camino completamente singular cuyo redescubrimiento en Francia, muy tarde, solo debería ser más sorprendente.

Informaciones Prácticas

• Comisario: Helena de Freitas, historiadora del arte, Fundación Calouste Gulbenkian, Lisboa
• escenografía Taller de arquitectura jodar
• apertura: de jueves a lunes de 10 a.m. a 20 p.m., miércoles de 10 a.m. a 22 p.m., cierre semanal los martes
• cerrado el 1 de mayo y el 14 de julio
• Tarifas : 13 €, 9 € TR (16-25 años, buscadores de trabajo, familias numerosas). Gratis para niños menores de 16 años, beneficiarios de RSA y edad mínima
• acceso: metro línea 1 y 13 "Champs-Elysées-Clemenceau" o línea 9 "Franklin D. Roosevelt"
• información y reservas: www.grandpalais.fr