David Hockney - Foto: DR

Com esta série notável, David Hockney mostra seu universo íntimo, seus entes queridos, seus amigos, seus filhos, constituindo assim uma galeria notável de retratos daqueles que cruzaram seu caminho ao longo dos anos, constituindo de fato um vasto panorama. da artística Los Angeles do nosso tempo.

Em 2012, o Museu Guggenheim de Bilbao já apresentou uma monumental exposição de paisagens, David Hockney: A Wider Vision. No mesmo ano, o artista deixou seu Yorkshire natal para retornar a Los Angeles. Redescobrindo com o retrato o gosto pela contemplação pacífica, realiza, no verão de 2013, a primeira do que virá a ser uma série de mais de 90 pinturas; 82 deles são apresentados como parte da exposição.

David Hockney concebe esses retratos como um corpus artístico único. A exposição gira, assim, em torno de um percurso quase cronológico que permite outro estudo psicológico: o do próprio artista. Seu estado emocional parece ficar mais leve à medida que a série avança, ao mesmo tempo que afirma sua convicção sobre o formato, o meio e o modus operandi. Todas as telas são do mesmo tamanho e mostram a modelo sentada na mesma cadeira, contra o mesmo fundo azul profundo, sob a mesma luz brilhante e transparente do sul da Califórnia. Todas foram pintadas no mesmo tempo: três dias.

“David Hockney: 82 retratos e 1 natureza morta” - © David Hockney - © Museu Guggenheim de Bilbao

Entre as modelos, todas escolhidas entre seus amigos, parentes e conhecidos, são colaboradores da oficina, outros artistas como John Baldessari, curadores e galeristas como Larry Gagosian.

"Celebridades são feitas para a fotografia"diz David Hockney. “Eu, eu não retrato celebridades enquanto a fotografia o faz. Minhas celebridades são minhas amigas. " Cada retrato é, portanto, fruto de intensa observação e, portanto, se transforma em uma análise psicológica.

Graças ao virtuosismo do artista, a uniformidade dos elementos de cada tela acentua as diferenças entre os diferentes modelos e permite que a sua personalidade surja com uma imediação calorosa. Com esta série, em um momento de proliferação de selfies e retratos fotográficos nas redes sociais, Hockney reexamina o papel do retrato pintado em uma instalação intensa e envolvente. A nota divergente, a única natureza-morta, é fruto da ausência, um dia, de uma das modelos. Com vontade de pintar, o artista aproveitou o que tinha em mãos, uma seleção de frutas e vegetais, para fazer seu retrato.

Posando para David Hockney. Retrato de Edith Devaney, curadora da exposição

Coube ao diretor do atelier do artista, Jean-Pierre Gonçalves de Lima, a delicada tarefa de organizar a programação de todos esses retratos ao longo de mais de dois anos. Hockney pintou Edith Devaney duas vezes, primeiro em setembro de 2015, depois em fevereiro de 2016. Este último retrato é o apresentado na exposição, após um processo de eliminação de alguns retratos de pessoas que pintou mais de uma vez.

História de Edith Devaney:

“A segunda vez que postei para ele foi no final do projeto e já tive a oportunidade de analisar as poses e roupas de pessoas que haviam estado lá antes de mim. A única indicação que recebi foi para recolher meu cabelo; no meio do primeiro retrato, Hockney decidiu que ficaria melhor. Muitas das modelos femininas se vestiram elegantemente para seus retratos, então decidi variar para usar roupas mais informais.

“A segunda vez que postei para ele foi no final do projeto e já tive a oportunidade de analisar as poses e roupas de pessoas que haviam estado lá antes de mim. A única indicação que recebi foi para amarrar meu cabelo; por volta do meio do primeiro retrato, Hockney decidiu que ficaria melhor. Muitas das modelos femininas se vestiam elegantemente para seus retratos, então decidi usar roupas mais informais para variar.

A sessão começou por volta das nove da manhã. O ateliê estava muito arrumado, com a tela já pronta no cavalete e todas as cores, pincéis e paletas dispostas sobre uma mesa à direita. A plataforma com a cadeira ficava à esquerda, voltada para o cavalete. Sentado na cadeira, tentei várias poses e inclinei-me para a frente com a cabeça apoiada na mão no que parecia ser uma postura natural e familiar. Isso agradou Hockney, que esperava que eu pudesse mantê-lo por três dias.

A primeira parte do processo, e talvez a mais intensa, foi o desenho a carvão que ele traçou diretamente na tela.

Hockney chama esse esboço da cabeça, corpo e cadeira de "fixar a pose". Ele afirmou que pintou o que viu e fez questão de ver tudo. A percepção e o foco de seu olhar eram notáveis ​​e sua cabeça estava constantemente se movendo para frente e para trás da maquete à tela.

Assim que o desenho foi concluído, a pintura começou. Todos os retratos foram feitos em acrílico, um meio que Hockney não usava há vinte anos. Após os primeiros trabalhos, ele usou uma nova marca de tinta acrílica com maior teor de gel, com capacidade de ficar úmida por mais tempo, o que permitiu, ao longo dos três dias, retocar levemente o rosto da modelo.

Após um intervalo de uma hora para um bom lanche e um momento de conversa animada, as sessões continuaram até tarde da noite. Durante os descansos da manhã e da tarde, Hockney se sentava em uma poltrona a uma certa distância da tela para analisar sua evolução enquanto fumava. Durante esses intervalos, ele comentou sobre vários aspectos da pintura, mas manteve o silêncio mais absoluto durante a pintura.

O ato de pintar provou ser altamente físico para Hockney, que constantemente se movia para frente e para trás para observar a tela de perto e de longe. Havia uma sensação tremenda de fluidez em seus movimentos quando estendia a mão para molhar o pincel, quando misturava novas cores ou quando escolhia outro pincel. Ele levantava ou baixava o cavalete com um motor elétrico para realizar, na altura perfeita, seu trabalho meticuloso e minucioso.

Ao longo do processo, a intensidade de sua concentração não diminuiu em nada. Qualquer vestígio do cansaço que sentiria mais tarde era superado pelo prazer da criação.

As modelos participaram desse prazer à medida que a imagem surgia. Curiosamente, meu retrato parecia familiar e estranho para mim ao mesmo tempo. Hockney me disse enquanto pintava "o que viu", embora admitisse que todos nós vemos de maneira diferente, pois nossa visão é colorida por nossas muitas experiências. Ver-se submetido a um exame tão minucioso o faz pensar sobre sua própria maneira de pensar sobre seu aspecto físico, e a capacidade consumada de Hockney de refletir essa complexidade interna acentua a intensidade psicológica do tempo de pausa.

Assim que meu retrato foi concluído, perguntei se ele achava que havia captado minha personalidade. “Eu percebi um aspecto seu”, ele respondeu. “O primeiro retrato capturou outro aspecto e se eu fizesse um terceiro, seria diferente de novo”. O fascínio de Hockney pelo retrato está inextricavelmente ligado à sua profunda empatia pelos seres humanos e por todas as fraquezas que personificamos, “a comédia humana”, como ele mesmo a expressa. "

Informações práticas

Museu Guggenheim Bilbao
Bilbau, Espanha
10 de novembro de 2017 - 25 de fevereiro de 2018

https://www.guggenheim-bilbao.eus/