Amadeo de Souza-Cardoso, Título desconhecido (Palhaço, cavalo, salamandra), detalhe, por volta de 1911-1912, guache sobre papel, 23,80 x 31,80 cm, Lisboa, CAM / Fundação Calouste Gulbenkian, doação Lucie de Souza-Cardoso , Foto © Paulo Costa

Levado aos trinta anos pela epidemia de gripe espanhola, depois de deixar essa vanguarda parisiense da qual ele era uma das figuras mais originais no início da guerra, Amadeo saiu da tela do radar e não reteve sua celebridade do que em seu próprio país. No entanto, ele teve tempo de deixar um trabalho impressionante, tanto em sintonia com todas as revoluções estéticas de seu tempo quanto diferente de qualquer outra. Se observarmos cuidadosamente a cronologia de sua companhia com Amedeo Modigliani ou Constantin Brancusi, é freqüentemente ele quem aparece como o inventor das formas.

Amadeo de Souza-Cardoso já estava no Grand Palais em 1912, exibindo no Salon d'Automne Avant la Corrida, uma pintura que apareceria na famosa exposição do Armory Show nos Estados Unidos em 1913. Foi vendida imediatamente como quase todos os outros envios do artista que causou uma sensação. É assim que muitas de suas obras-primas são mantidas hoje nos Estados Unidos, em particular no Art Institute of Chicago.

A vida de Souza-Cardoso é curta e intensa. Existem dois períodos principais que se materializam na rota da exposição: o período de Paris (1906-1914) e o retorno a Manhufe, Portugal (1914-1918). No entanto, ao longo de sua vida artística que durou pouco mais de uma década, Amadeo viveu entre esses dois mundos: ele viajou, veio e foi, eternamente insatisfeito, ansioso por estar em outro lugar, manifestando instabilidade geográfica perpétua.

Filho de uma família tradicional da rica burguesia rural, Amadeo parte para Paris em uma situação financeira confortável, longe da condição de bolsista que é a de muitos de seus compatriotas - que ele só freqüenta no local durante um curto período. Ele se despede de sua mãe dizendo que ele deve cumprir seu destino.

A cidade que ele descobre, o centro eufórico de todas as rupturas, chama sua atenção para os artistas que rompem com os cânones clássicos. Amadeo também participa dessa ruptura; ele deu os primeiros passos nesse universo cosmopolita, desenvolvendo um diálogo criativo com seus colegas de trabalho: Modigliani, Brancusi, Archipenko, o casal Delaunay, Otto Freundlich, Boccioni, entre outros, e fez contato com agentes artísticos, editores ou curadores de exposições, como Walter Pach, Wilhelm Niemeyer, Ludwig Neitzel, Herwald Walden, Adolphe Basler, Harriet Bryant. Em 1908, quando se mudou para a Cité Falguière (Montparnasse), tornou-se amigo de alguns artistas que, como ele, estavam à margem de movimentos programáticos, principalmente Modigliani e Brancusi.

A pequena vila de Manhufe, no norte de Portugal, permeia o mundo visual de Amadeo e é encontrada nas várias etapas de seu trabalho. Estas não são apenas paisagens ou representações da natureza; este lugar contém o que Amadeo considera seu, uma paisagem natural, mas também mental. Ele integra em todo o seu processo criativo o que pode ser percebido como temas tradicionais: objetos do cotidiano, palavras de canções populares e bonecas folclóricas, instrumentos musicais regionais, montanhas, florestas, castelos imaginários e interiores familiares.

Esses elementos são representados de acordo com soluções estilísticas que combinam cubismo, futurismo, orfismo e expressionismo. Amadeo confronta fragmentos do mundo rural e do mundo moderno numa mesma dinâmica e, sem hierarquia, opera uma fusão entre a sua região de origem e a vertigem das máquinas, manequins mecânicos, telégrafos e fios telefónicos, lâmpadas e outdoors, programas de rádio, moinhos de água, perfumes, champanhe ...

Tornando-se urbano por opção, o artista mantém o vínculo com o movimento ondulatório de suas montanhas, que pinta repetidamente e que serve de pano de fundo para pinturas de várias fases. E é além disso, diante dessas montanhas, que ele traça seu auto-retrato, vestido como pintor, como Greco.

Representações simples, mesmo aumentadas pelos meios do cubismo, não serão suficientes para ele. Ele procede por representação e por "incorporação", seus trabalhos integrando - em particular por colagem - muitos objetos regionais ou urbanos.

As letras / palavras, aplicadas com papelão ou estênceis de zinco (que ele mesmo faz ou encomenda), são todos novos elementos da polissemia - referências ao industrial (Barrett, Wotan) e comercial ( Coty, Brut, 300, Eclypse), mas sem uma narrativa ou papel ilustrativo na pintura. Amadeo desvia os significados, assim como as formas: seus discos cromáticos podem ser alvos coloridos ou pratos de barro populares sobre os quais caem insetos ... Curiosamente, sua história de família relata que o artista compôs sua primeira pintura sobre duas folhas de um armário na sala de jantar; o muito jovem Amadeo reproduziu ali, por volta de 1897, as tampas das latas de biscoitos da marca Huntley & Palmers. Todos estes indícios de incorporação do novo mundo à sua obra mostram que Amadeo tem uma consciência aguda do que significa "ser moderno", o que se reflecte não só nos seus temas (exaltação da mecanização), mas também nos seus métodos e técnicas ou mesmo no desejo de se dar a conhecer, promovendo pessoalmente a sua identidade de artista. Esta estratégia foi implementada desde muito cedo com a publicação de uma edição dos seus XX Desenhos e 12 Reproduções, e ainda se expressa no uso do seu carimbo de assinatura.

De acordo com uma rota crono-temática, a exposição reúne cerca de 300 obras: pinturas, desenhos, gravuras, fotografias, além de uma escultura e duas máscaras africanas. Entre eles, algumas obras de artistas contemporâneos de Amadeo, com quem ele era próximo, como Brancusi, Modigliani, Robert e Sonia Delaunay. Na rotunda, um vídeo tríptico, encomendado especialmente pela Fundação Calouste Gulbenkian ao artista Nuno Cera, dedica os lugares queridos a Amadeo (Manhufe em Portugal, Bretanha e Paris).

Em dez anos, Amadeo de Souza-Cardoso traçou um caminho totalmente singular cuja redescoberta na França, muito tarde, só deveria ser mais marcante.

Informações práticas

• Comissário: Helena de Freitas, historiadora de arte, Fundação Calouste Gulbenkian, Lisboa
• cenografia: Oficina de Arquitetura Jodar
• abertura: de quinta a segunda-feira, das 10h às 20h, quarta-feira, das 10h às 22h, fechamento semanal na terça-feira
• fechado em 1 de maio e 14 de julho
• taxas: € 13, € 9 TR (16-25 anos, candidatos a emprego, famílias numerosas). Grátis para menores de 16 anos, beneficiários do RSA e idade mínima para aposentadoria
• acesso: linhas 1 e 13 do metrô "Champs-Elysées-Clemenceau" ou linha 9 "Franklin D. Roosevelt"
• informações e reservas: www.grandpalais.fr