David Hockney - Foto: DR

Met deze opmerkelijke serie toont David Hockney zijn intieme universum, zijn geliefden, zijn vrienden, hun kinderen, en vormt zo een opmerkelijke galerij met portretten van degenen die zijn pad in de loop van de jaren kruisten, wat in feite een enorm panorama vormt. van het artistieke Los Angeles van onze tijd.

In 2012 presenteerde het Guggenheim Museum Bilbao al een monumentale tentoonstelling van landschappen, David Hockney: A Wider Vision. In hetzelfde jaar verliet de kunstenaar zijn geboorteland Yorkshire om terug te keren naar Los Angeles. Door met het portret de smaak voor vredige contemplatie te herontdekken, maakte hij in de zomer van 2013 de eerste van wat uiteindelijk een serie van meer dan 90 schilderijen zal worden; 82 daarvan worden gepresenteerd als onderdeel van de tentoonstelling.

David Hockney vat deze portretten op als een uniek artistiek corpus. De tentoonstelling draait dus om een ​​bijna chronologische reis die ruimte laat voor een andere psychologische studie: die van de kunstenaar zelf. Zijn emotionele toestand lijkt te verlichten naarmate de serie vordert, tegelijk met zijn overtuiging over het formaat, het medium en de modus operandi. Alle doeken zijn even groot en tonen het model zittend in dezelfde stoel, tegen dezelfde diepblauwe achtergrond, onder hetzelfde heldere, transparante licht uit Zuid-Californië. Ze werden allemaal in dezelfde tijd geschilderd: drie dagen.

"David Hockney: 82 portretten en 1 stilleven" - © David Hockney - © Guggenheim Museum Bilbao

Onder de modellen, allemaal gekozen uit zijn vrienden, familieleden en kennissen, zijn medewerkers van de studio, andere kunstenaars zoals John Baldessari, curatoren en galeriehouders zoals Larry Gagosian.

"Beroemdheden zijn gemaakt voor fotografie"zegt David Hockney. “Ik portretteer geen beroemdheden terwijl fotografie dat wel doet. Mijn beroemdheden zijn mijn vrienden. " Elk portret is dus de vrucht van intense observatie en verandert zo in een psychologische analyse.

Dankzij de virtuositeit van de kunstenaar accentueert de uniformiteit van de elementen van elk doek de verschillen tussen de verschillende modellen en laat hun persoonlijkheid met warme directheid naar voren komen. Met deze serie, in een tijd van de wildgroei van selfies en fotografische portretten op sociale media, onderzoekt Hockney opnieuw de rol van het geschilderde portret in een intense en omhullende installatie. De afwijkende toon, het enige stilleven, is het resultaat van de afwezigheid op een dag van een van de modellen. Gretig om te schilderen, nam de kunstenaar wat hij bij de hand had, namelijk een selectie groenten en fruit, om zijn portret te maken.

Stel voor David Hockney. Portret van Edith Devaney, curator van de tentoonstelling

Het was de directeur van het atelier van de kunstenaar, Jean-Pierre Gonçalves de Lima, die de delicate taak kreeg om de programmering van al deze portretten over een periode van meer dan twee jaar te regelen. Hockney schilderde Edith Devaney twee keer, eerst in september 2015 en daarna in februari 2016. Dit laatste portret is het portret dat in de tentoonstelling wordt gepresenteerd, na het elimineren van enkele portretten van mensen die hij schilderde. meer dan één keer.

Verhaal door Edith Devaney:

“De tweede keer dat ik voor hem poseerde was tegen het einde van het project en ik had al de gelegenheid gehad om de poses en outfits te analyseren van mensen die er voor mij waren geweest. De enige indicatie die ik kreeg was om mijn haar te verzamelen; rond het midden van het eerste portret besloot Hockney dat het er beter uit zou zien. Veel van de vrouwelijke modellen kleedden zich elegant voor hun portretten, dus besloot ik te variëren en meer informele kleding te dragen.

“De tweede keer dat ik voor hem poseerde was tegen het einde van het project en ik had al de gelegenheid gehad om de poses en outfits te analyseren van mensen die er voor mij waren geweest. De enige indicatie die ik kreeg was om mijn haar vast te binden; halverwege het eerste portret besloot Hockney dat het er beter uit zou zien. Veel van de vrouwelijke modellen kleedden zich elegant voor hun portretten, dus besloot ik om meer informele kleding te dragen voor afwisseling.

De sessie begon rond negen uur 's ochtends. De studio was erg netjes, met het canvas klaar op de ezel en alle kleuren, penselen en paletten op een tafel aan de rechterkant. Het platform met de stoel bevond zich aan de linkerkant, tegenover de ezel. Zittend op de stoel probeerde ik verschillende houdingen en leunde ik voorover met mijn hoofd op mijn hand in wat voelde als een natuurlijke, vertrouwde houding. Het beviel Hockney, die hoopte dat ik het drie dagen vol kon houden.

Het eerste deel van het proces, en misschien wel het meest intense, was de houtskooltekening die hij rechtstreeks op het canvas tekende.

Hockney noemt deze schets van het hoofd, het lichaam en de stoel "de houding vastleggen". Hij beweerde dat hij schilderde wat hij zag en ervoor zorgde dat hij alles zag. Het inzicht en de focus van haar blik was opmerkelijk en haar hoofd bewoog constant heen en weer van model naar canvas.

Toen de tekening klaar was, begon het schilderen. Alle portretten waren gemaakt in acryl, een medium dat Hockney twintig jaar niet had gebruikt. Na de eerste werken gebruikte hij een nieuw merk acrylverf met een hoger gelgehalte, met het vermogen om langer nat te blijven, waardoor gedurende de drie dagen het gezicht van het model licht kon worden bijgewerkt.

Na een uur pauze voor een lekker hapje en een moment van levendig gesprek gingen de sessies door tot laat in de avond. Tijdens de ochtend- en middagrust zat Hockney op enige afstand van het canvas in een fauteuil om de evolutie ervan tijdens het roken te analyseren. Tijdens deze pauzes gaf hij commentaar op verschillende aspecten van het schilderij, maar bewaarde hij de meest absolute stilte tijdens het schilderen.

Het schilderen bleek zeer fysiek te zijn voor Hockney, die constant heen en weer bewoog om het canvas van heinde en verre te observeren. Een enorm gevoel van vloeiendheid in zijn bewegingen was merkbaar wanneer hij zijn hand uitstak om het penseel te dopen, wanneer hij nieuwe kleuren mengde of wanneer hij een ander penseel koos. Hij hief of verlaagde de ezel met een elektromotor om, op de perfecte hoogte, zijn nauwgezette en gedetailleerde werk te bereiken.

Gedurende het hele proces nam de intensiteit van zijn concentratie helemaal niet af. Elk spoor van de vermoeidheid die hij later zou voelen, werd gecompenseerd door het plezier van de schepping.

De modellen namen deel aan dit plezier toen het beeld naar voren kwam. Vreemd genoeg kwam mijn portret mij tegelijkertijd bekend en vreemd voor. Hockney vertelde het me terwijl hij schilderde "wat hij zag", terwijl hij toegaf dat we allemaal anders zien omdat onze visie wordt gekleurd door onze vele ervaringen. Om aan een dergelijke zorgvuldige controle te worden onderworpen, gaat men nadenken over zijn eigen manier van denken over zijn fysieke verschijning, en Hockneys volmaakte vermogen om deze innerlijke complexiteit te weerspiegelen, accentueert de psychologische intensiteit van de pauzetijd.

Toen mijn portret klaar was, vroeg ik hem of hij dacht dat hij mijn persoonlijkheid had vastgelegd. 'Ik heb een aspect van je opgepikt,' antwoordde hij. "Het eerste portret had een ander aspect vastgelegd en als ik een derde deed, zou het weer anders zijn". Hockneys fascinatie voor portretten is onlosmakelijk verbonden met zijn diepe empathie voor de mens en voor alle kwetsbaarheden die we belichamen, "de menselijke komedie", zoals hij het zelf uitdrukt. "

Praktische informatie

Guggenheim Museum Bilbao
Bilbao, Spanje
10 november 2017 - 25 februari 2018

https://www.guggenheim-bilbao.eus/